解析罗西尼声乐套曲《威尼斯赛船歌》钢琴演奏技巧方面的要求

内容提要

罗西尼的歌剧被世人广为传唱、研究，但是他的声乐套曲《威尼斯赛船歌》却少有人研究。本文从演奏时需要注意的问题进行叙述，着重解决此套曲中出现的钢琴演奏技巧方面的问题，以便于演奏者进行再创作。

关键词

罗西尼 声乐套曲 演奏技巧

焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼（1792-1868），19世纪上半叶意大利歌剧三杰之一（罗西尼、威尔第、普契尼），典型的意大利歌剧代表人物，他的一生作有大、小歌剧38部。在我国，他的诸多经典歌剧已经被广大业余声乐爱好者以及各大专业院校师生所熟知、演唱。如《塞维利亚的理发师》《威廉退尔》《意大利女郎在阿尔及尔》中的经典唱段。但罗西尼的艺术歌曲、套曲却颇少有人问津。而这些艺术歌曲、套曲却在另一方面展现了作曲家别于歌剧创作的思维，体现了他对艺术的一种独到的见解。

罗西尼曾表示过：“人生何求？我并没有后代。如果我有孩子，我肯定会选择继续工作。当我呕心沥血地在15年中写出了40部歌剧之后，我发现自己需要静养，于是我搬回了博洛尼亚，想在那里过安安静静的生活。”（伊斯特尔·瓦格纳的拜访.350页）罗西尼在欧洲获得巨大的成功，使他的晚年生活十分富足，他可以不需要为生计而为歌剧院写歌剧。并且由于受到疾病的困扰，也让他放下了创作歌剧的念头，转而写作小型的室内乐、宗教作品。1824至1843年，罗西尼多次往返于巴黎和博洛尼亚，在此期间，他可能途经威尼斯并观看过当地的划船比赛，深深地被当地的这种风俗所吸引，有感而发创作了此套曲。

这首规模较小的声乐套曲，大致的创作时间是1830—1835年，在罗西尼死后的1878年发表。歌词是由卡罗·帕波里（Carlo Pepoli）用威尼斯当地方言所创作，他的歌词也被罗西尼其他的声乐作品所用。在他不再写歌剧作品之后，还写了一些结构简单的作品。大多是圣咏，还有一些是写给他的朋友们的以及一些音乐沙龙性质的小品。这些歌曲和钢琴小品最后被收集发表在《音乐剧之夜》（Les soirees musicales）。

这部套曲描述的是一个女孩观看威尼斯贡多拉赛船以及鼓励他的爱人的小故事。女主人公叫安佐列塔，男主人公叫摩摩洛。本套曲共三首歌曲，分别为《安佐列塔在比赛前》《安佐列塔在比赛中》《安佐列塔在比赛后》。

1钢琴技巧方面的要求

罗西尼的这部声乐套曲之所以能够流传至今，是因为它具有高度的艺术性，而为了展示这种艺术性，使其被听众所理解，自然离不开高超的钢琴技巧。同时钢琴技巧也是表现音乐内容的最基本的手段，在本套曲中，钢琴技巧方面的难度主要体现在三个方面：

1.1手腕和触键

在演奏本套曲时，出色的敏感的触键能力是必不可少的，因为它是决定演奏时音色变化的必要手段。在本作品当中，无论是八度、双音跑动、音阶、和弦，短琶音，它们的触键方法都不尽相同，并且只有触键方法的变化，才能演绎出各种不同的音色，以配合演唱者的音色变化。而此时演奏所需要的力量则是由身体通过胳膊经手腕传导到指尖的，在实际演奏中，应协调好身体、手腕和触键之间的关系。如套曲中第一首歌曲的伴奏音型，如果没有手腕的自然放松流畅的左右移动，手臂的力量是不可能传达到指尖的，手腕很快也会僵硬，自然而然也就不能演奏出通透、清澈的音色。又如在某些段落中，往往需要上臂以及身体良好的支撑以及爆发力来演奏，以达到辉煌的、激烈的声音效果。相反的，有时则需要充分运用指尖和手腕的协调来演奏出“如歌的声音”。

1.2速度

对于控制本套曲速度的技巧，其难度主要体现在三个方面。在整体方面，套曲速度整体规划恰如其分，赛前、赛中、赛后分别用中庸的快板（Allegretto moderato）、激动的小快板（Allegretto agitato）、快板（Allegretto）的速度来演奏，以此来制定套曲的节奏基调，表现故事进程、烘托赛场气氛，并且在本套曲中，虽然都是“快板”，但是每首歌曲的“快”所要表达的意思是完全不同的。在局部方面，如第二首的A段与B段，虽然速度相同，但演唱者的情绪因为所要表达的音乐内容发生了变化，伴奏者也要相应地调整内心的“速度”，以配合演唱者的变化。此外还有演唱者在演唱时的语气变化所导致的伴奏速度渐慢、渐快，这都需要伴奏者灵活掌握并与歌唱者默契配合。这三种速度的变化，都需要演奏者具备高超的演奏技巧和心理素养。

1.3 踏板

俄罗斯钢琴家安东·鲁宾斯坦曾经说过：“踏板是钢琴的灵魂”，罗西尼在这部作品中虽然在踏板的运用方面没有作特殊的说明，但丰富的踏板法对作品的思想的表达是必不可少的。例如运用踏板加强和弦的响度，以营造辉煌的气势；运用节奏踏板来加强速度感；运用连音踏板来增强歌唱性；运用弱音踏板来突出演唱者旋律、加强钢琴音色变化等。

上述钢琴技巧，在罗西尼其它的艺术歌曲中，尤其是在一部套曲中同时出现，也是不多见的。

2演奏中需要注意的技术问题

2.1前十六分音符

在第一首歌曲，出现了大量的前十六分音符的音型。大致可分为两种。第一种是两个十六分音符加上两个八分音符，后面两个八分音符分别用跳音、重音符号标记；第二种是加连音线的两个十六分音符加上两个八分音符。

第一种的演奏方法：由于重音在第一个音符，手腕要求平稳落下，在八分音符的时候抬起。最后一个音要通过手腕把力量转移到指尖，让它保持一定的力度，在键盘上停留稍长一段时间，同时也要演奏出音乐的韵律感。

第二种的演奏方法：中间的八分音符要适当延长，最后的音符要稍快于左手的最后音离键，但不能演奏成跳音，手腕要左右移动来配合力量的转移。由于要和演唱者的轻盈、愉快的旋律形成对比，左手的触键应当“粘”、“连”一些。

练习要点：这两种演奏的方法的核心在于手腕的力量的灵活转移。左手方面，都要求左手保持重音在强拍、三个音的时值要平均。右手的十六分音符要轻巧自如，同时手指运动要干净利落，手指间的力量转移要通过掌关节来运动。

2.2双音的同音反复连奏

在第二首歌曲中，由于运用了快速的十六分音符双音同音反复连奏，钢琴伴奏在演奏技巧上的难度得到了加强。

演奏方法：双音演奏是钢琴演奏技术中重要的组成部分，也是对演奏者的钢琴技巧和忍耐力的一项考验。由于我们每个手指的力量不同，比方说4、5指的力量就特别弱、比较懒，而1指的力量比较强，所以说进行单独练习是很有必要的。练习要点：（1）先用断奏法分别练习2、4指，3、5指，在保持齐的同时要注意手掌的稳定和协调。（2）在保留一个音的同时不断反复另一个音，手指换指要高抬，以提高手指独立性。（3）把平均的音符变化为前十六分附点、后十六分附点音符，手指高抬，加强力度、并注意大拇指不要出重音。（4）由慢到快地进行贴键练习，手指不要粘，要注意手腕、小臂、上臂的协调性。

对于乐曲中出现的平行四度、平行五度，可保持大拇指单独练习4、5指。手腕要放松不要僵硬，重心要及时随大指转移。有关于练习双音的练习曲，可参考车尔尼钢琴练习曲OP.740第10课，第22课，第34课。4、5度双音：OP.821第123课，第106课。

2.3八度

在本套曲中，主要出现的八度是左手的重拍上的八度和一些分解八度。

演奏方法：手臂和手腕都要放松，同时要保持手型不变，在演奏时要以拇指和小指的两个“点”来支撑住手掌。分解八度的演奏方法同八度类似，要注意的是大拇指和小指之间的“点”的力量的转移。

练习要点：第一首和第三首虽然左手的重拍都是八度，但是具体演奏出来的效果还是有区别的，这主要根据音乐的情绪而定。第一首由于着重描写赛前的紧张气氛和女主人公忐忑不安、激动的心情，所以要求左手八度演奏出平稳的、深沉的、浑厚的声音。第二首由于着重刻画节日庆祝的、热烈的场面，所以要求左手八度演奏出欢快、典雅、威武的风格。具体到练习当中，区别这两种八度的演奏方法最根本的是手腕的运用。第一首要求落键后手腕向前推，抬起时不必着急，手指“粘”在琴键上。第三首则要求触键后手腕向上抬，力度比第一首要稍微加强。

2.4 和弦

和弦在本套曲中主要出现在歌曲的结束部分和第三首歌曲。

演奏方法：结束部分的和弦要求力量由身体通过上臂和小臂传到指尖。手掌要支撑住手指，胳膊肘要放松，依靠身体瞬间的爆发力。

练习要点：在歌曲结尾时，和弦之间的空拍可以适当延长。第三首歌曲的右手和弦的演奏方法基本和八度的演奏方法相似，要求手指立住，手腕要有弹性，手指要有“抓东西”的感觉。

人们常说“歌剧是看待时代的影子”， 因为它总是反映着时代的变迁以及经济、文化、政治的状态。而艺术歌曲虽然没有歌剧宏大气派的场面、管弦乐队伴奏的气势、故事情节的曲折、众多性格不同的角色、以及大量热情的观众，但它的艺术魅力却毫不逊色，同样能够反映不同时代人们不同的生活状态，并且更加通俗易懂。

在平日的声乐教学和学习中，艺术歌曲更容易让演唱者接受和掌握，是各大专业院校的师生提高歌唱素养和专业水平的重要环节。因此，对声乐套曲《威尼斯赛船歌》钢琴演奏技巧的研究是具有实际意义的，不仅更为深入地挖掘了套曲本身的艺术价值，同时也为今后的教学和实践提供了具有可操作性的材料，可供广大钢琴伴奏、艺术指导工作者借鉴。

参考文献

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[3] 张居仁（编）.唱片中的罗西尼[M].北京：世界音像电子出版社（2001）.